En un ejercicio de la materia Expresion Formal II, intente mezclar un poco lo que había visto del maestro Kandisky y este fue el resultado el cual esta muy alejado de lo esperado.
Fotografia: Marco Ramos
miércoles, 8 de abril de 2015
Art-pop en el DBT-54
Quiero mostrarles un ejercicio que hicimos en la materia Expresión formal II, la labor a realizar era una pequeña ilustración de nosotros en Art.pop.
Muchos resultados fueron sorprendentes otros como el mio nos sirvió de experimentación y al final la mejor ilustracion se gano un helado.
Los resultados fueron los siguientes.
Muchos resultados fueron sorprendentes otros como el mio nos sirvió de experimentación y al final la mejor ilustracion se gano un helado.
Los resultados fueron los siguientes.
Fotografia: Marco Ramos
Fotografia: Marco Ramos
Fotografia: Marco Ramos
Fotografia: Marco Ramos
No puedo cerrar esta publicacion, sin darle el credito al todos los autores de las ilustraciones presentadas, no me se todos los nombres asi que lo nombraremos DBT-54.
Edificios post-modernos en mexico
El día Sábado tuve la oportunidad de ir a el remate anual de libros en el Auditorio nacional, (por cierto, es muy triste ver que un evento cultural de esta magnitud no tiene la misma difusión que un evento de consumismo como lo es el buen fin) y aproveche para tomas las siguientes fotos de algunos edificios que a mi parecer son post-modernistas.
Auditorio Nacional
Fotografia: Marco Ramos
Fotografia: Marco Ramos
Fotografia: Marco Ramos
Fotografia: Marco Ramos
Mis Fotografias
Después de ver a grandes fotógrafos en clase de este trimeste y del anterior, me intereso mucho la idea de poder tomar mis propias fotografías y en una experimentación un poco amplia estas fueron las que mas me agradaron.
Metro San Lazaro
MUAC
Metro Santa Anita
Vagon Linea 4
Fotografias: Marco Ramos
Como se pudo apreciar en las fotografias, me gusto mucho capturar imagenes con perspectiva, imagenes del mundo real, ademas tambien me gusto mucho jugar con la simetria, puedo concluir que fue un buen ejercicio y espero estar haciendo mas como este.
Edward Steichen
Edward Steichen fue un fotógrafo luxemburgués nacido en 1879. Siendo muy niño emigró a Estados Unidos donde pasó el resto de su vida. Con 15 años comenzó a trabajar con la Compañía de Arte Americano de Milwaukee dedicándose a la realización de litografías. Allí aprendió dibujo y pintura y tuvo sus primeros contactos con la fotografía en una tienda cercana.
Su primera cámara fue una de las llamadas "cámaras detectivescas" de Kodak. Fue uno de los fundadores de "La liga de los estudiantes de arte" de su ciudad.
En 1900 conoce al fotógrafo Alfred Stieglitz con quien empieza a colaborar rápidamente. Stieglitz compra varias fotografías de Steichen y le encarga el diseño del logotipo de su revista "Camera work". Juntos terminarían montando la famosa galería "291".
 |
Steichen Steichen Si a mi me dijeran, nombra a un artista surrealista que no sea pintor indudablemente pensaria en Edward Steichen, es un gra fotografo que introdujo esta vanguardia a la fotografia. Ademas que no podemos dejar a un lado las fotos de sus paisajes que son una maravilla posiblemente las mejores que he visto en mi corta vida. Fuente:http://www.fotonostra.com/biografias/edwardsteichen.htm |
Alfred Stieglitz
Las fotografías de los desnudos es un tema que Alfred toco con tal sutiliza que despertó en esto algo más que solo fotografía, él para mi gusto hacia de sus fotografías un verdadero arte, claro que podemos observar posiciones no naturales, meramente pensadas, eso no impide que sea un trabajo espectacular, un trabajo que revoluciono sin duda la forma de verse y practicarse la fotografia.
 |
| Fuente: http://fadedandblurred.com/spotlight/to-hold-a-moment-alfred-stieglitz/ |
 |
| Invierno en la Quinta Avenida(1892). Esta foto marcaba el inicio de lo que tanto nos agrada de este fotografo, y es su forma de capturar lo que es dificil de apreciar, como las nubes, la neblina el humo etc. Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Alfred_Stieglitz#/media/File:Alfred_Stieglitz_Winter_Fifth_Avenue_1892.jpg El trimestre pasado nos habia dejado a la tarea de hacer nuestras propias fotos Stieglitz, yo no tuve la oportunidad de tomar esas fotografias, pero ahora que retomamos el tema pude hacerlo y el resultado es el siguiente. 
Fotografía Marco Ramos
Fotografia Marco Ramos
|
Piet Mondrian
Pintor holandés que llevó el arte abstracto hasta sus últimas consecuencias. Por medio de una simplificación radical, tanto en la composición como en el colorido, intentaba exponer los principios básicos que subyacen a la apariencia. Nació en Amersfoort (Holanda) el 7 de marzo de 1872 y su nombre verdadero era Pieter Cornelis Mondriaan. Decidió emprender la carrera artística a pesar de la oposición familiar y estudió en la Academia de Bellas Artes de Amsterdam. Sus primeras obras, hasta 1907, eran paisajes serenos, pintados en grises delicados, malvas y verdes oscuros. En 1908, bajo la influencia del pintor neerlandés Jan Toorop, comenzó a experimentar con colores más brillantes, fue el punto de partida de sus intentos por trascender la naturaleza. Se trasladó a París en 1911, donde adoptó el estilo cubista y realizó series analíticas como Árboles (1912-1913) y Andamios (1912-1914). Poco a poco se fue alejando del seminaturalismo para internarse en la abstracción y llegar por fin a un estilo en el que se autolimitó a pintar con finos trazos verticales y horizontales. En 1917 junto con su compatriota, el pintor Theo van Doesburg fundó la revista De Stijl, en la que Mondrian desarrolló su teoría sobre las nuevas formas artísticas que denominó neoplasticismo. Sostenía que el arte no debía implicarse en la reproducción de imágenes de objetos reales, sino expresar únicamente lo absoluto y universal que se oculta tras la realidad. Rechazaba las cualidades sensoriales de textura, superficie y color y redujo su paleta a los colores primarios.
1911 - 39 años
Molino al sol
Material: Óleo sobre tela.
Medidas: 114 x 87 cm.
Museo: Gemeentemuseum. La Haya
Molino al sol
Material: Óleo sobre tela.
Medidas: 114 x 87 cm.
Museo: Gemeentemuseum. La Haya
Su creencia de que un lienzo, es decir una superficie plana, sólo debe contener elementos planos, implicaba la eliminación de toda línea curva y admitió únicamente las líneas rectas y los ángulos rectos. La aplicación de sus teorías le condujo a realizar obras como Composición en rojo, amarillo y azul (1921, Gemeentemuseum), en la que la pintura, compuesta sólo por unas cuantas líneas y algunos bloques de color bien equilibrados, crea un efecto monumental a pesar de la escasez de los medios, voluntariamente limitados, que emplea. Cuando se trasladó a Nueva York en 1940, su estilo había logrado una mayor libertad y un ritmo más vivo. Abandonó la severidad de las líneas en negro para yuxtaponer áreas de colores brillantes, como puede verse claramente en la última obra que dejó acabada, Broadway Boogie-Woogie (1942-1943, Museo de Arte Moderno, Nueva York, MOMA). Mondrian ha sido uno de los artistas de mayor repercusión en el siglo XX. Sus teorías sobre la abstracción y la simplicidad no sólo alteraron el curso de la pintura, sino que tuvieron una profunda influencia en la arquitectura, el diseño industrial y las artes gráficas. Murió el 1 de febrero de 1944 en Nueva York.
1925 - 53 años
Cuadro nº 2
Material: Óleo sobre tela.
Medidas: 75 x 65 cm.
Museo: Colección Max Bill. Zurich
Cuadro nº 2
Material: Óleo sobre tela.
Medidas: 75 x 65 cm.
Museo: Colección Max Bill. Zurich
1942 - 70 años
New York City
Material: Óleo sobre tela.
Medidas: 120 x 144 cm.
Museo: Colección Harry Holtzman. Nueva York
New York City
Material: Óleo sobre tela.
Medidas: 120 x 144 cm.
Museo: Colección Harry Holtzman. Nueva York
Asi como pienso que Kandinsky es influyente en el arte urbano, tambien pienso que Mondrian es sin duda la primera influencia o acercamiento a lo que se llamaria Art-pop, no comprendo mucho esta forma de arte pero la respeto.
Wassily Kandinsky
Pintor de origen ruso, Wassily Kandinsky fue uno de los iniciadores del arte abstracto del siglo XX. Tomó clases de música y dibujo antes de ir a la Universidad de Moscú a estudiar Derecho y Economía, donde, tras licenciarse, en 1892, comenzó a impartir clases. En 1895 visitó la exposición de impresionismo francés y quedó fascinado por una obra de la serie de los almiares de Claude Monet. Un año más tarde Kandinsky decidió abandonar su profesión y dedicarse por completo a la pintura. Se dirigió a Múnich, entonces un reputado centro artístico, donde estudió en la academia del pintor Anton Azˇbé y más tarde en la Akademie der Bildenden Künste. En 1901 participó en la fundación de Phalanx, asociación que organizó exposiciones y formó una escuela de arteAllí. conoció a la pintora Gabriele Münter, que se convertiría en su amante y colaboradora los años siguientes y junto a la que viajó por Europa y Túnez en 1904. Posteriormente se instaló en París entre 1906 y 1907.
 |
La. lectura de los escritos de Wilhelm Worringer en 1909 y la música de su contemporáneo Arnold Schönberg le llevaron a un creciente interés por el arte no-objetivo. Kandinsky estaba preocupado por el materialismo del mundo moderno y veía en la abstracción una vía de liberación del hombre. Fue miembro fundador de la Neue Künstlervereinigung, donde conoció a Franz Marc. Junto a él abandonaría posteriormente este grupo para, en 1911, comenzar a publicar juntos el almanaqueDer Blaue Reiter (El Jinete Azul), en torno al cual se aglutinó un variado grupo de artistas. En sus páginas, Kandinsky propugnaba una función mística para el arte, un arte no-objetivo que respondiera no a un reflejo de las apariencias, sino a la fuerza interior del artista. Sus escritos, entre los que destacan De lo espiritual en el arte(1912) o Punto y línea sobre el plano (1926), sirvieron para difundir sus ideas.
Sin titulo 1922
Wassily KandinskyTensión suave1923
Espero no ofender al maestro Kandinsky con mi siguiente comentario, pero siento que el podria ser el primer artista o mejor dicho el artista que influyo en el movimiento urbano graffitti, no lo se, tal vez este totalmente equivocado, pero como persona que admira el arte urbano y conoce un poco sobre estilos y tecnicas, al ver las obras de Wassily veo que posiblemente influyo un poco en esos artistas urbanos.
Exponentes del surrealismo
Salvador Dalí (1904-1989)
Dalí es más escandaloso y extravagante de todo el grupo. Sus cuadros presentan figuras imposibles fruto de su imaginación.
Le caracteriza la provocación y su método "paranoico-crítico". Su primera etapa surrealista es furiosa y ácida, las formas se alargan, se descomponen o resultan de apariencia equívoca. Utilizará alusiones al sexo y la paranoia. La sangre es más dulce que la miel, La persistencia de la memoria, El ángelus arquitectónico o Premonición de la Guerra Civil.
También son característicos sus relojes blandos, sus altas y destacadas figuras sobre un lejano horizonte y las vistas de Cadaqués.
Más adelante su estilo se hará más barroco en Leda atómica y en El Cristo de San Juan de la Cruz, donde el sentido de la composición y del espacio es más clásico, pero siempre inquietante.
Su pintura resulta excepcional en sus calidades plásticas por la corrección en el dibujo y por la presencia de la luz, transparente y limpia.
 |
La persistencia de la memoria  El cristo de San Juan de la Cruz |
Joan Miró (1893-1983)
-"Me es difícil hablar de mi pintura, pues ella ha nacido siempre en un estado de alucinación, provocado por un shock cualquiera, objetivo o subjetivo y del cual soy enteramente irresponsable"-.
Es el máximo representante del surrealismo abstracto, aunque fue solamente una fase dentro de su producción.
Sus cuadros están llenos de poesía. Pinta con colores puros y tintas planas. La obra clave en su evolución es El carnaval del arlequín (1924).
Crea un mundo propio que se abre paso a la abstracción. Sus imágenes son simples, con pocos trazos, a la manera de los niños. Rechaza la perspectiva, el modelado, el claroscuro y el acabado minucioso. Traza signos abstractos, simples, que no tratan de expresar una idea, sino que desean bastarse a sí mismos y son extraídos de lo irracional.
Algunas Obras:Personajes de noche, El bello pájaro descifra lo desconocido a una pareja de enamorados, Naturaleza muerta con zapato viejo, Mujeres y pájaros en claro de luna.
Los años de la guerra civil española y mundial lo alejaron de la aventura surrealista. Una de las últimas obras fue el revestimiento cerámico del edificio de la UNESCO en París, Noche y día.
Carnaval de Arlequin
Magritte(1898-1976)
Ofrece cierta similitud con Chirico, es uno de los surrealistas más claramente simbolistas.
Provoca el choque emotivo de color aplicado a formas realistas puestas en lugares y momentos inverosímiles. Realiza absurdas combinaciones de paisajes, arquitecturas, esculturas, ambientes externos e internos. En El tiempo detenido muestra el interior de una habitación en el que un tren sale llameante de una chimenea doméstica. La voz de los vientos es la premonición de una amenaza, un grupo de globos pesados que flotan y son símbolo de algo que puede aplastar
El tiempo detenido
Surrealismo
El surrealismo o superrealismo es un concepto que proviene del francés surréalisme. Se trata de un movimiento literario y artístico que busca trascender lo real a partir del impulso psíquico de lo imaginario y lo irracional.
El dadaísmo (que se opuso a la razón positivista y se rebeló contra las convenciones literarias burguesas) es el antecedente inmediato del surrealismo, cuyo primer manifiesto fue firmado por el poeta y crítico literario francés André Breton en 1924.
Los surrealistas persiguen la verdad mediante escrituras automáticas donde se omiten las correcciones racionales. Los escritos surrealistas se basan en la utilización de imágenes para la expresión de emociones.
Los surrealistas persiguen la verdad mediante escrituras automáticas donde se omiten las correcciones racionales. Los escritos surrealistas se basan en la utilización de imágenes para la expresión de emociones.
 |
| Salvador Dalí Surrealismo |
El término surrealismo fue acuñado por Guillaume Apollinaire en 1917, cuando lo utilizó en el marco del programa que escribió para el musical “Parade”. Con el correr de los años, la noción experimentó diversos cambios y alteraciones.
Muchos han sido los artistas que se han convertido en auténticos referentes del surrealismo a lo largo de la historia. No obstante, entre todos ellos podríamos destacar, por ejemplo, al francés Marcel Duchamp que pasó a ser además un referente para el conocido movimiento pop. Entre sus obras más conocidas se encuentra “La fuente”.
De la misma forma, tampoco hay que pasar por alto al español Salvador Dalí. Uno de los mayores y mejores representantes del surrealismo es este que tiene quizás como obra más significativa aquella que lleva por título “La persistencia de la memoria”.
Surrealismo para mi es la mejor vanguardia que ha existido, es cierto que me siento atraido por el impresionismo y el cubismo pero el surrealismo esta en otro nivel, es la clara muestra que el mensaje, el sentimiento ya supero a la imagen y que el artista entablara un dialogo con el publico mediante su obra.
martes, 7 de abril de 2015
Exponentes Cubistas
Pablo Picasso
(Pablo Ruiz Picasso; Málaga, 1881 - Moulins, Francia, 1973) Pintor español. La trascendencia de Picasso no se agota en la fundación del cubismo, revolucionaria tendencia que rompió definitivamente con la representación tradicional al liquidar la perspectiva y el punto de vista único. A lo largo de su dilatada trayectoria, Pablo Picasso exploró incesantemente nuevos caminos e influyó en todas la facetas del arte del siglo XX, encarnando como ningún otro la inquietud y receptividad del artista contemporáneo. Su total entrega a la labor creadora y su personalidad vitalista, por otra parte, nunca lo alejarían de los problemas de su tiempo; una de sus obras maestras, el Guernica (1937), es la mejor ilustración de su condición de artista comprometido.
A finales de 1906, Pablo Picasso empezó a trabajar en una composición de gran formato que iba a cambiar el curso del arte del siglo XX: Les demoiselles d'Avignon. En esta obra cumbre confluyeron numerosas influencias, entre las que cabe citar como principales el arte africano e ibérico y elementos tomados de El Greco yCézanne. Bajo la constante influencia de este último, y en compañía de otro joven pintor, Georges Braque, Pablo Picasso se adentró en una revisión de buena parte de la herencia plástica vigente desde el Renacimiento, especialmente en el ámbito de la representación pictórica del volumen. Las tramas geométricas eliminan la profundidad espacial e introducen el tiempo como dimensión al simultanear diversos puntos de vista: era el inicio del cubismo.
 |
| Les demoiselles d'Avignon (1907) |
El estallido de la guerra civil española lo empujó a una mayor concienciación política, fruto de la cual es una de sus obras más universalmente admiradas, el mural de gran tamaño Guernica (1937). La reducción al mínimo del cromatismo, el descoyuntamiento de las figuras y su desgarrador simbolismo conforman una impresionante denuncia del bombardeo de la aviación alemana, que el 26 de abril de 1937 arrasó esta población vasca en una acción de apoyo a las tropas franquistas.
 | ||
| Guernica (1937)
Algo que me gusta en demasia del maestro Picasso es esa obsecion por pintar como un niño, me parece admirable que intentara plasmar sus pinturas desde la forma mas pura que existe que es la de un niño.
Y hablando de eso recuerdo que cuando era un poco mas chico el nombre de Picasso era el mas sonado al hablar de pintores, y chistosamente cuando hacias algun dibujo y era del agrado de la gente te decian que eras como Picasso y hoy en dia vemos que no tiene absolutamente nada que ver, simplemente por el cubismo que el planteaba.
El mas grande representante cubista para mi y se que para la mayoria tambien.
Fuente:http://www.biografiasyvidas.com/biografia/p/picasso.htm
Georges Braque
(Argenteuil, Francia, 1882-París, 1963) Pintor francés. Hijo de un pintor de brocha gorda, oficio que siguió en un principio, Braque estudió a partir de 1900 en la Escuela de Bellas Artes de París y hacia 1906 se adhirió al fauvismo, bajo la influencia de su amigo Othon Friezs, con obras como El embarcadero del puerto de l'Estaque.
En 1907, una exposición de Cézanne y el encuentro con Picasso pusieron a Braque en la senda del cubismo, tendencia de la que es cofundador. Desde entonces hasta su movilización en la Primera Guerra Mundial, trabajó en estrecha colaboración con Picasso, dando vida a la fase llamada cubismo analítico (Naturaleza muerta con instrumentos musicales), y más tarde a la denominada cubismo sintético (Vaso y violín).
A diferencia de Picasso, que plasmó con frecuencia la figura humana, Braque prefirió, a lo largo de toda su trayectoria artística, la naturaleza muerta, en la que introdujo novedades significativas, como el empleo del collage o la incorporación de letras y números. En sus bodegones cubistas juega con el espectador, invitándole a reconstruir los objetos a partir de las diversas perspectivas que de ellos introduce en sus obras.
|
Etapas del cubismo
ETAPAS DEL CUBISMO
Se distinguen básicamente 3 etapas:
CUBISMO CEZANIANO: esta etapa se caracteriza por sus formas identificables, que son reducidas a formas geométricas puras. Una de las obras mas importantes que marco la etapa cezaniana fue titulada “las señoritas de avignon”
CUBISMO ANALÍTICO: se caracteriza por la descomposición de sus formas en múltiples partes, todas ellas geométricas. Es el mas puro y mas difícil de comprender. Entre las obras mas importantes en esta etapa del cubismo se encuentra el “Retrato de Kahnweiler”
CUBISMO SINTÉTICO: se caracteriza por potenciar las partes mas significativas de la figura, reduciéndolas a sus formas geométricas mas puras. No es simplificador pero si es de una fácil lectura. Una de las obras representativas de esta etapa es “el jugador de cartas” (No se que tan confiable sea esta información, puesto que en clase vimos que este cuadro es una clara muestra de impresionismo)
Cubismo
DEFINICIÓN DE CUBISMO
El cubismo es una escuela y teoría estética de las artes plásticas y el diseño. Se caracteriza por la utilización de las formas geométricas, como los cubos, los triángulos y los rectángulos.
El movimiento nació en Francia y tuvo su apogeo entre 1907 y 1914. El término cubismo proviene del vocablo francés cubisme, que fue propuesto por el crítico Louis Vauxcelles. Este especialista hacía referencia a los cubos que aparecían en las pinturas de artistas como Pablo Picasso, Juan Gris y Georges Braque, entre otros exponentes del cubismo.
A partir de esta escuela estética se desarrollaron otras vanguardias europeas que revolucionaron el panorama artístico del siglo XX. Sin embargo, el cubismo está considerado como una vanguardia pionera ya que se encargó de romper con la perspectiva, el último principio renacentista que seguía vigente a comienzos de siglo.
Los cubistas buscaban descomponer las formas naturales y presentarlas mediante figuras geométricas que fragmentaban las superficies y las líneas. Esta perspectiva múltiple permitió, por ejemplo, reflejar un rostro tanto de frente como de perfil, ambos a la vez.
Otra característica del cubismo es la utilización de colores apagados como el verde y el gris, sobre todo en la primera época del movimiento. Con el tiempo, los cubistas comenzaron a incorporar colores más vivos.
Según mi breve investigación este cuadro titulado "Las señoritas de avignon" de Pablo Picasso (1907) es como un punto de partida para esta nueva y primera vanguardia del arte gráfico.
A mi en particular me encanto este movimiento que se venia cultivando desde el impresionismo, el buscar una nueva forma de ver el arte dejando a un lado el realismo y los detalles, me gusta mucho esta forma en que el arte dejo de ser visual para convertirse en algo mas emocional.
lunes, 6 de abril de 2015
Vanguardismo
El vanguardismo, o avant-garde en francés,1 se refiere a las personas o a las obras que son experimentales o innovadoras, en particular en lo que respecta al arte, la cultura y la política.
El vanguardismo representa un empuje de los límites de lo que se acepta como la norma o statu quo, sobre todo en el ámbito cultural. La noción de la existencia del vanguardismo es considerado por algunos como una característica del modernismo, a diferencia de laposmodernidad. Muchos artistas se han alineado con el movimiento avant-garde y aún continúan haciéndolo, trazando una historia a partir del dadaísmo pasando por los situacionistas hasta artistas posmodernos como los Poetas del Lenguaje alrededor de 1981.
El término también se refiere a la promoción de reformas sociales radicales. Fue este sentido que fue evocado por el adherente a Saint-Simon Olinde Rodrigues en su ensayo "L'artiste, le savant et l'industriel" ("El artista, el científico y el industrial", 1825), que contiene el primer uso registrado de "avant-garde" en su sentido ahora habitual: allí, Rodrigues pide a los artistas a "servir como el vanguardismo [de la gente]", insistiendo en que "el poder de las artes es de hecho la forma más inmediata y rápida" para la reforma social, política y económica.
Mi definición de diseño
Diseño para es la modificación o alteración de un espacio con el fin de llevar un mensaje o resolver una necesidad a cierto grupo de gente denominado usuarios.
Y aunque en una ocasión me regañaron por decir que el diseño va de la mano con el consumismo yo aun lo sigo creyendo, no estoy diciendo que todo el diseño se vea involucrado en esta categoría, pero si en su mayoría.
Mi Numero 5 (Pollock)
El día de ayer nos reunimos Erika Flores y yo para realizar nuestra versión del cuadro mas caro del mundo, puedo decir que fue una experiencia de relajación y diversión, y estos fueron los resultados.
 |
| Fotografía Erika Flores |
 |
| Fotografía Marco Ramos |
Suscribirse a:
Entradas (Atom)